las palabras y las cosas

Unidad didáctica. Mi perfil, autorretrato y red social

2011-06-02T12:52:00.000-07:00

Breve reflexión acerca de los inconvenientes de una educación artística basada en la cultura visual.

2011-06-02T11:07:00.000-07:00

La educación artística basada en la cultura visual, es una educación más significativa, mas cercana al alumno que se desenvuelve en un contexto en el que la fuerza de la imagen y su constante presencia es innegable. Puede facilitarle la comprensión de ciertos contenidos, pero la imagen, y ahí veo las posibles carencias de este método, debe comprenderse de manera crítica, debe identificarse su intencionalidad y su existencia dentro de un contexto.

Acerca de “Pensando en los demás” un documental sobre el profesor Toshiro Kanamori.

2011-06-02T10:05:00.000-07:00

El profesor Toshiro Kanamori, enseña a sus alumnos de 10 años una auténtica lección de vida , el pensar en los demás, el mostrar una actitud empática es un medio para no sentirte sólo, para hacerte fuerte y hacer fuertes a los demás, la comunicación te ayuda a crecer a tí y a los que te rodean."Deja que la gente viva en tu corazón", les dice, cuando ellos te escuchan de verdad, viven en tí para siempre.Esto te ayudará a ser feliz, el único y más importante objetivo de tu vida.

La auténtica educación no olvida la importancia que tiene la educación emocional (libre)de los niños, es tan importante o más que la educación en contenidos, proporciona herramientas útiles al niño en su crecimiento hacia la madurez les ayuda a ser capaces de vivir.
Inculca a sus alumnos la alegría que supone disfrutar de la vida, el maravilloso regalo que poseen ,la libertad de expresarse tal y como son, desde el respeto a los demás.
Utiliza como medio un "cuaderno de cartas", en el que sus alumnos escriben aquello que quieren contar a los demás,desde la escritura encuentran el medio para sincerarse y hablar de ellos mismos, todos escuchan con admirable respeto y empatía, aprenden a verse en el otro y a reflexionar sobre ellos mismos. Entre ellos se han creado lazos muy fuertes, pero lo más fascinante es la relación que mantienen con el profesor, el respeto y la admiración que le manifiestan, pero tambien el cariño y la cercanía. Es fascinante. Es Oriente.

El arte se repliega en sí mismo - Peter Sloterdijk

2011-06-02T08:14:00.000-07:00

"El arte, ya se decía hace una década, abandona la galería, se va al campo, va a la gente. Se debería haber dicho: busca lo libre y desea otro espacio de juego para la felicidad de interrumpir la infelicidad."

El arte se ha convertido desde hace mucho en negocio, en mercado, impulsado por unos y otros, bajo el manto del enriquecimiento ( ni espiritual , ni intelectual ) que ofrece la cultura, publicitado como objeto de deseo al alcance de unos pocos, dependiente en su existencia de este único camino.

En el necesario epicentro de todo este escenario , el artista y su obra, Sloterdijk analiza el significado verdadero y último de los términos La maestría sin genio es una gran habilidad, el genio sin dominio del oficio es intensidad renovadora. Si ambos coinciden , pueden resultar vidas humanas hacia las que se oriente la exaltación humanística de la especie....allí donde en las obras surjan mundos junto al mundo los creadores se pueden tener por dioses al lado de Dios.
La obra de arte moderna es concebida de este modo en virtud de su motivación hedonista, el hombre supera el poder de la propia naturaleza a través de su obra, se supera a sí mismo y a sus iguales. Exponer la obra supone hacer visible a ojos de unos pocos la revelación creadora, es el medio y la puerta de entrada en el sistema de mercado.
La visión del autor acerca de lo exponible, es bastante radical, considera que a fines del XX se produce una sinergia provocada por la maravilla moderna de la producción entre lo producido, lo que lo motiva, antecede, acompaña y el desecho de este acto y todo a uno es objeto de exposición. Critica como la estructura social aspira a formar parte del museo, pero a mi parecer forma parte de él, lo contrario sería vivir al margen de la sociedad en la que el arte como forma de expresión se desenvuelve, el verdadero artista está dentro del sistema, sí, pero puede optar de algun modo a residir en lugar privilegiado, no de cara al mercado, sino a él a su propia vida y a sus motivaciones.Me parece interesante la reflexión que propone el autor, pero excesivamente taxativa.No se está hablando en último término del poder creador, ni del artista, ni del medio ,ni de quién lo contempla, se habla de un antiguo conocido, el dinero.
El sistema actual de ferias y exposiciones de arte, para el autor no es más que la excusa para dar cabida y de algún modo revalorizar la obra dentro del contexto actual de la más pura arbitrariedad. Así la exposición es casi más obra que la obra expuesta,es el trozo de queso en la ratonera.
La obra desea ser expuesta esto le asegura un lugar, la obra manifiesta ese ansia de inmortalidad, en su designación como tal se abrirá ese lugar dentro del mercado, donde hay una galería , hacia ella fluye el arte de la galería.Está condicionando desde el principo. Esta relación debería subvertirse.Hoy nada o casi nada es para siempre.
El sentido último y maravilloso del arte obedece a la llamada de las fuerzas humanas a la felicidad, la felicidad hábil, con cuya ayuda ser capaz de vivir supera a tener que vivir.Su sentido está aquí y ahora.El arte que ha madurado que se conoce a sí mismo abandona el sistema establecido, pero es invisible?? ¿a dónde va? Este posicionamiento lo lleva a alejarse del mundo, pero es el camino hacia la felicidad, ya se echaba de menos alguna aportación constructiva, que aunque romántica y utópica, es el verdadero sentido de la necesidad creativa. ¿ y cómo salir, como habitar en el silencio, como entender este lugar? ......."cuando estoy al aire libre? cuando estoy tan afuera que el mundo se muestra."

Acerca de Los espigadores y la espigadora, un documental de Agnès Varda

2011-06-02T08:07:00.000-07:00

El documental de Agnès Varda tiene por marco la sociedad de consumo. En su viaje por la Francia –mayormente rural- de finales del siglo pasado, Varda se encuentra con espigadores y espigadoras que buscan entre la basura y recogen los restos que nuestra sociedad desecha, pero ya no estamos ante los míticos espigadores que pintó Millet, sino ante unos modernos recolectores que, desde el campo a la ciudad, recogen patatas, manzanas y otros alimentos, al igual que artistas que recolectan objetos encontrados por azar en las calles para crear o sólo por la belleza ética del gesto: recolectar simplemente.

Pero el documental de Varda va más allá del marco político y social que nos presenta y entra, de manera lúcida y profunda, en el tan arado terreno del lenguaje documental: un género que, en manos de Varda, queda intrínseca y orgánicamente construido en torno a la recolecta en sí. El azar se convierte en un factor de producción/construcción inalienable y en el elemento estético central. Más que de cine de observación directa o de cinéma-vérité, se trata aquí de un tipo de cine reflexivo renovado por las nuevas tecnologías de las que hace uso: una pequeña cámara de video digital que nos muestra desde dentro el proceso de renovación digital del cine y que se convierte en la herramienta privilegiada de la recolecta y de la espigadora que es ella misma. La cámara pues no le sirve simplemente como una herramienta invisible para recolectar imágenes, sino que se convierte en el punto de anclaje de una reflexión en torno a lo documental que no sólo establece una nueva relación con el cine sino también una nueva relación de la creadora consigo misma. Al alejarse de los pesados medios del cine institucional y optar por una cámara más pequeña y manejable, la cineasta consigue establecer una relación mucho más orgánica con cada una de las etapas de la creación. El todo necesita y hace posible además un acercamiento en el que el azar y la improvisación se convierten en el material que permite una escritura directa y personal. En efecto, el encuadre pasa del paisaje al detalle e impone una nueva relación con el propio cuerpo y con la propia identidad, ese cuerpo que envejece y que la directora recorre y estudia con su pequeña cámara.

En suma, Varda, estudiando la historia y la contemporaneidad de la recolecta, nos presenta a la vez un estudio sociológico y una lección sobre el cine y su esencia cambiante en el universo posmoderno del consumo y del individualismo.

Ken Robinson, ¿matan las escuelas la creatividad?

2011-06-01T07:56:00.001-07:00

fotomontaje

resumen visual de la posmodernidad

2011-05-28T12:37:00.000-07:00

"Un rizoma no comienza y no termina, siempre está en el medio, entre las cosas, es un ser-entre, un intermezzo. El árbol es filiación, pero el rizoma es alianza, únicamente alianza. El árbol impone el verbo “ser”, pero el rizoma tiene por tejido la conjunción “y … y …y…”. En esta conjunción hay fuerza suficiente para des-enraizar el verbo ser (….). Entre las cosas, no dessigna una relación localizable y que va de uno a otro, y recíprocamente, sino una dirección perpendicular, un movimiento transversal que lleva uno al otro, arroyo sin comienzo ni fin, que corroe sus orillas y toma velocidad entre las dos”. Gilles Deleuze

Comentario a la obra de tres compañeros

-Rafa Jiménez

El video de Rafa es el más original a la hora de afrontar la propuesta, imágenes de edificios que se derrumban y que como el ave fénix intentan resurgir de las cenizas, toda una metáfora de la caída de los grandes ideales en la posmodernidad. Deconstrucción, un tema actual dentro de la creación artística.La música que acompaña la secuencia y el tratamiento de la imagenes me parecen muy acertados.

-Pablo Sánchez

La propuesta de Pablo, me parece ante todo humana, ríos de solos que caminan enloquecidos entre la multitud, la violencia, el sexo, la comida basura, los mass media, las nuevas formas de relación, la injusticia, la tecnología...reflejos exactos de la sociedad que habitamos. Y entre tanto imágenes que aparecen como promesas de felicidad. La vuelta a lo esencial.

- Rubén Baena

El trabajo de Rubén me parece ingenioso en la elección de las imágenes, que en su caso creo acertadamente conservan el sonido original. Y el sentido del humor a la hora de enfrentarse al ejercicio, la canción de coca- cola que nos cantorturó a todos en la infancia, un gato tocando el teclado y el inconmensurable Arrabal y su mineralismo. Y ese final? volvemos a empezar?

Modelos de pensamiento y paradigmas V.

2011-02-04T10:41:00.000-08:00

TEXTO PARA ANÁLISIS

• ARAÑÓ GISBERT, J.C.: Estructura del conocimiento artístico.
Capítulo 6. La educación artística y su planificación

Ideas fundamentales en relación a la educación artística, expuestas en este capítulo:

1.Educación artística como acto cultural de aproximación a la propia cultura.

2.Necesidad de univocidad, de objetividad en la planificación de la enseñanza artística.

3.Entender el arte y su enseñanza desde la comprensión de la propia cultura.

4.Contenidos estructurados de la enseñanza.

5.Adaptación a los cambios sociales.

6.Educación artística como complemento de la formación cultural.

7.Sistema de aprendizaje significativo, a partir de los conocimientos de los que parte el alumno.

Arte y Educación III

2011-02-04T07:37:00.000-08:00

Acerca de ENTRE LES MURS, una película de Laurent Cantet

Respuestas a las preguntas planteadas en la plataforma de la asignatura.

- Reflexión en cuanto a la dimensión formal del documento visual examinado.

La película está rodada a modo de falso documental, todo sucede en un único espacio el instituto, en un breve espacio de tiempo, un curso.Con un guión algo lineal.
Los actores que desempeñan el papel de alumnos no son profesionales, recibieron clases de interpretación en el mismo instituto unas semanas antes, lo que confiere a la historia una mayor veracidad.El documento presenta dos partes, la vida en la clase, y la relación del profesor con sus compañeros en el instituto.La película transmite un ambiente caótico y frenético. El guión aunque cerrado consigue mantener una sensación de espontaneidad. La música no está presente en la película, creo que para potenciar el sonido real del aula, atropellado y a veces ensordecedor.El hecho de que la pelicula esté filmada cámara en hombro potencia la sensación de realidad, no hay planos estructurados la mirada se conduce de un lado a otro como si formaramos parte de la escena.La puesta en escena es libre y espontánea, al igual que su fotografía, hay primeros planos del rostro de los alumnos y del profesorado que intensifican las emociones que experimentan a lo largo de la película. Los colores están saturados, las luces de neón de la clase contribuyen a dar una mayor sensación de realismo.

- Reflexión en cuanto a la dimensión conceptual del documento visual examinado.

François Martin, el profesor, es un docente de vocación, consciente de la situación personal de sus alumnos y del papel que la educaión juega en su formación como personas, afronta el reto de acercarse al alumnado, hasta agotar todos sus recursos. La inmigración en el aula, ya es un hecho y creo que a los docentes tienen la tarea de educar en el respeto y la igualdad. Fuera la realidad es distinta, la educación en el respeto y la no discriminación, va con retraso y eso condiciona el comportamiento auto-excluyente de algunos de los alumnos. No creo que la película reclame una mayor implicación del profesor en la vida familiar de los alumnos, es sólo que quiere dar muestra de esa realidad personal del alumnado que a veces está por encima de todo.Son problemas por solucionar que impiden al alumno una implicación real. En algun momento de la película si se observa la toma de conciencia por parte del profesor de la dimensión de este problema.
El método educativo que sigue el profesor me parece en cualquier caso correcto aunque arriesgado, provoca una cierta sensación de angustia la implicación en su trato con el alumnado y la sensación de impotencia por la respuesta recibida. Es tanta la necesidad de comunicación que a veces malentendida se escapa de sus manos.
Creo que hay una mezcla de optimismo y pesimismo en el contenido, la situación que narra es real, hay una perdida de valores y una confusión en las nuevas generaciones muy díficil de reconducir pero actitudes como la del profesor son la única manera posible, si sólo hay un alumno que responde a esos estímulos el camino cada vez es más corto. La educación es un mundo complejo y cambiante como todo, pero siempre hay primeros acercamientos que conducen a un modelo más justo y provechoso para todos.
Si la clase social fuera distinta a la representada, obviamente los problemas serían otros, pero serían problemas igual, ya que es tambien el retrato de una edad, y de un momento social, sin dejar de entender claro que la situación personal de ciertos alumnos se presenta realmente como una barrera difícil.
El final abierto de la pelicula podría interpretarse como una esperanza de cambio de valores del alumnado, del sistema educativo y de la sociedad en general.
El diálogo creo que tiene mayor protagonismo en la película que la imagen, precisamente porque es el instrumento necesario.
Creo que el director pretende poner de manifiesto esta realidad, analizando las partes que la conforman desde un mismo lugar, es decir, provoca el acercamiento a la labor del profesor y a la realidad compleja del alumnado. Hace una reflexión en torno a las concesiones que dentro de este laberinto son necesarias por parte y parte, para que el sistema avance.

La educación se plantea como necesaria en la relación con los demás y en el desarrollo personal.La ética se cuestiona.
En todo momento el profesor deja libertad de expresión a los alumnos con la única limitación del respeto a los demás y creo que fomenta esa libertad como actitud artística y de crecimiento personal.
Creo que si existe una dificultad añadida en el ámbito disciplinar en una ámbito multicultural, por el acercamiento necesario a otras formas de estar y de entender, pero a la vez creo que es enriquecedor para el profesor y para el resto del alumnado.

La relación alumno-profesor, control-poder, es ambigua durante toda la película, los límites se sobrepasan y oscilan de un lado a otro, repitiendose de forma sistemática.
La responsabilidad por el mal comportamiento del alumnado creo que debe ser siempre exigible, y en esto debe existir un compromiso por parte de la familia y de los educadores.

Creo que los problemas educativos que se plantean en la película, sólo son subsanables, desde la educación en el respeto y el compromiso de todas las partes. La actitud del profesorado, que libera en primera fila esta batalla, debe ser la expuesta, paciencia, afecto y rotundidad (bien entendida).

CONCEPTOS DE EDUCACIÓN Y DOCENTE.

- EDUCACIÓN. Formación guiada , en una serie de valores y conocimientos.

- DOCENTE. Persona que transmite dichos conocimientos y valores atendiendo a las necesidades de cada alumno.

- ¿CÓMO VAMOS A IMPARTIR NUESTROS CONOCIMIENTOS ? RETROSPECTIVA DE MI PROPIA EXPERIENCIA.

Mi experiencia como alumna ha estado marcada por la enseñanza en colegios religiosos desde los diez años. Esto hace que sea dificil separar el sistema de enseñanza recibido de la fuerte carga moral y religiosa que se impartía por entonces en este tipo de colegios, y que estaba en ocasiones por encima de cualquier otra cosa. Mi aprendizaje fué en muchos casos rígido, lineal, poco crítico , demasiado sistematizado y autoritario , no había lugar de ningún modo a la libertad creativa y a la autoexpresión. El trato al alumnado era poco cercano y desde luego nada comprensivo.

Mi modelo de enseñanza iría encaminado justamente a todo lo contrario creo en un sistema donde el afecto y el entendimiento (controlado) al alumnado, facilite la comunicación, un ambiente dinámico y participativo. Donde por encima de todo se enseñe a aprender, a dar herramientas para seguir aprendiendo y creciendo una vez que la enseñanza reglada finalice.

Arte y Educación II.

2011-02-03T09:41:00.000-08:00

TEXTOS PARA ANÁLISIS Y REFLEXIÓN.
Reflexión en torno al concepto de arte y manifestación estética.

DEL CORRAL,María (2002):"El arte en este fin de siglo", en MARTINEZ, J.(comp)(2002):Observatorio siglo XXI.Reflexiones sobre cultura, arte y tecnología. Barcelona.Editorial Paidós.

La autora analiza el panorama artístico de finales de los años 70 y principios de los 80, momento en el que se produce un revival de la pintura y de los valores tradicionales , a la vez que un cambio de mirada, el artista necesita autoreferenciarse en su obra, hablar de su visión subjetiva del mundo en general y de sus mundos en particular. Todo esto engendrado en un momento de crisis, de cambio. Los artistas comienzan a instaurar un nuevo orden,y se aproximan a temas, antes desligados del contexto artístico, y que tienen más que ver con movimientos sociales y políticos. La concepción poética y objetual del arte de la década anterior, adopta una forma más directamente relacionada con el lenguaje, el arte conceptual de las artistas del momento cuestiona los sistemas de representación de las realidades cotidianas.

La fotografía pasa a ser un importante medio de expresión y experimentación, reflejo de las nuevas formas de experiencia estética.Demanda una nueva forma de pensar en la realidad, la fotografía une lo ficticio y lo real, creando imágenes nuevas, con un lenguaje personal y específico. El estereotipo aparece como lugar común en el discurso artístico. Los conceptos operativos según Roland Barthes , serán: citación, referencia y estereotipo.

Los media, tan vinculados a la cultura norteamericana han creado una realidad a imitar. Algunos artistas comienzan a hablar en su mismo lenguaje, otros se rebelan pidiendo la independencia del arte con respecto a esta realidad impuesta, la utilizan a modo de interrogación.El artista es ahora vehículo.

En Europa , los artistas se vinculan a un nuevo materialismo. Los artistas llaman a una necesaria objetividad, reinventan sus imágenes al margen de las consabidas.

El concepto Post-Moderno, describe este estado de transición entre el antiguo y el nuevo modelo de realidad en construcción.Se introduce un nuevo concepto de comprensión artística, las posiciones cambian de nuevo, obra y autor, expresión y contenido,se cuestiona el concepto de razón y las obras abren ventanas hacia realidades fingidas. Se deja atrás la autorreferencialidad.

En los años 90 el papel de las mujeres en el arte se muestra decisivo, su actitud es más libre e inquieta, sin necesidad de establecer grandes postulados, buscan un lenguaje capaz de cambiar las cosas.Buscan al margen de la cultura, una realidad personal.Sus reflexiones, transitorias y efímeras son por encima de todo modos de experiencia que evitan la racionalidad totalitaria.

La estética formalizada en la era posmoderna, no se basa en la realidad, como en décadas anteriores, sino en su representación y apropiación, no es el objeto lo que percibimos sino la reflexión de espejos en espejos.
La difusión se establece por encima de sistemas fuertes y generales de pensamiento. Es la cultura de la incoherencia.

El arte, las nuevas tendencias sociales y científicas,ponen de manifiesto estas transformaciones, y convergen en una nueva concepción del yo. El discurso artístico analiza la identidad, el género, la sexualidad, el cuerpo.. y se vuelve a una relativa figuración, pero basada ahora en una realidad artificial.

Algunos de los artistas de los 90 que contribuyeron al cambio:

ROBERT GOBER.- Trabaja con la significación del cuerpo, acompaña fragmentos de este con objetos cotidianos que aluden en ocasiones a los condicionantes impuestos sobre el cuerpo desde el exterior.Reivindica la intimidad y la inmediatez del tacto.

LOUISE BOURGEOIS.- Se posiciona al margen de su reconocimiento, es más considera que la ausencia de este, le ha permitido un proceso creativo más libre y personal.El cuerpo, el sexo, el miedo, la ambigüedad, estan en su discurso y en el del momento. En su obra Arte y Vida son lo mismo.

BARBARA KRUGER.- Utiliza la fotografía como punto de partida, imagenes publicitarias intervenidas que llaman a la conciencia del espectador acerca de temas sociales, políticos, feministas o culturales. Considera el estereotipo como instrumento de poder social.
TONY CRAGG.- Exalta la desmaterialización de la materia,en un discurso abierto acerca de una nueva imagen de la realidad.
THOMAS RUFF.- Trabaja con retratos fotográficos, neutros, anónimos, inquietantes, casi automatizados.
CHARLES RAY.- Manipula el espacio y la escala generando imágenes inquietantes de un gran carga psicológica.
JENNY HOLZER.- Sus temas son amor, sexo y muerte en el contexto sociocultura. Trabaja en torno al lenguaje y las ideas como sistema de representación, con una fuerte carga subversiva.

JEFF KOONS.- Vinculado a los mass-media y a la sociedad de consumo, sus objetos tienen una fuerte carga fetichista.

REINHARD MUCHA.- Trabaja con objetos desprovistos de su función habitual,que funcionan en un sistema de significación creado por él.Existen por y para esa nueva forma.
ROSEMARIE TROCKEL.- Su arte es autorreferencial,una biografía distanciada, en la que se entremezclan lo íntimo y lo social.No cuenta una historia sino una situación existencial.

CINDY SHERMAN.- Cuestiona en su obra el papel de los medios, y su relación con nuestos comportamientos aprendidos en una realidad fingida. Utiliza su propia imagen en escenarios evocadores pero reconocibles, vinculados al cine y la televisión.
BILL VIOLA.- Se interroga sobre la relación del individuo con su entorno y sus enigmas existenciales. Utiliza el video como medio, para reflexionar en torno a la imagen en movimiento como paradigma de la sociedad actual.

RACHEL WHITEREAD.- Trabaja en torno al objeto,su huella y su memoria, el lugar que ocuparon, su ausencia se torna presencia.

JEFF WALL.- Su obra fotográfica tiene un marcado carácter pictórico,habla de los marginados y oprimidos por la sociedad, obligando al espectador a identificarse con el tema.

JANINE ANTONI.- Concibe su obra como un proceso en el que relaciona el cuerpo y la materia en relación al fetichismo del consumo femenino, la juventud y la belleza.
DORIS SALCEDO.- Presenta un discurso altamente político,su arte es autorreferencial, habla del dolor, de la violencia y de la injusticia. Utiliza el objeto como medio para hablar de una humanidad olvidada y silenciada.

MIKE KELLEY.- Considerado como un outsider, utiliza el objeto desechado con una gran carga simbólica.

El arte del S.XX cuestiona que es el arte, hoy es una serie de perpetuas referencias y el papel del artista es el de transmisor e investigador, su obra se centra en la reflexión conceptual y adquiere en el plano visual un sentido fragmentario.
El trabajo de los artistas actuales se centra en :

1.- Tiempo y memoria.
2.- Cambios en el concepto de belleza.
3.- Ritualización de la vida cotidiana.
4.- Definición de la realidad a partir de la propia experiencia.
5.- Identidad vs multiculturalismo.
6.- Multiplicidad de medios.
7.- Redefinición del cuerpo.
8.- Genero, sexualidad, erotismo, sentidos, percepción.

La autora termina exponiendo una concepción del arte como proceso creativo que refleja la vida. Arte y vida.

Louise Bourgeois, Ten am is when you come to me , 2006

La manifestación artística es un claro reflejo de la sociedad en que se desarrolla, el artista vehículo de inquietudes y creador de imágenes que responden o no a necesidades a veces personales a veces colectivas. Creo en el papel del artista, nunca al margen de la sociedad, pero si como generador de nuevas inquietudes, como creador de nuevos universos, la visión que la autora aporta acerca de la negatividad de lo autorreferencial en ciertas obras de arte, me parece una contradicción pues en esas autorreferencias del artista, el espectador se reconoce, lee, y reflexiona.

GEERTZ, Clifford (1994): Conocimiento Local. Ensayos sobre la interpretación de la culturas, Barcelona. Ediciones Paidós.

Capítulo 5.- El arte como sistema cultural.

I

La necesidad de entender el arte, analizarlo y describirlo viene motivada por la consideración del arte como lenguaje, sistema, símbolo y modelo. Abordar el debate artístico desde cuestiones técnicas, culturales o de pensamiento, solo nos proporcionará conexiones factibles pero incompletas.
El arte debe ser contemplado y asimilado como expresión de la iniciativa humana sostenida de forma colectiva, es decir en sociedad.El principal problema es cómo situarlo dentro de las restantes formas de actividad social y darle una significación cultural determinada en cada caso.

El arte primitivo es una expresión igualmente compleja a la del mundo Occidental hoy día y no es más que el resultado del contexto cultural en el que nace, es desde éste desde donde debe partir el análisis.
Un elemento transcultural como la línea, está asociado para la tribu de los youruba con la idea de civilización y asimismo con las incisiones que practican en su piel,en sus esculturas existe una sensibilidad en la que participa el conjunto de la vida,la no existencia de estas manifestaciones, solo afectaría a esta sociedad en cuanto a la incapacidad de materializar experiencias.La conexión entre arte y vida no reside en un plano instrumental sino en un plano semiótico. Los hombres se miran en él.El artista es el mediador.
Las capacidades innatas para responder a la experiencia estética, residen en " la unidad de la forma y el contenido y en el grado en que se produce un acto cultural y no una tautología filosófica". Es necesario atender a tipos de reflexión no considerados estrictamente estéticos.

II

El argumento expuesto por el autor anteriormente acerca del arte y la sociedad primitiva es ahora cuestionado al entender que en Occidente el arte surge como actividad diferenciada que responde a sus propias necesidades.

Propone dos iniciativas estéticas en principio antagónicas: la pintura del Quattrocento y la poesía islámica.
En el primer caso vincula la experiencia estética y la creación artística al modo de concebir las cosas en la época y a las intenciones sesgadas de la expresión artística.
El artista, según Baxandall, se relacionaba a través de su pintura con la cultura de un modo interactivo y complementario. Por otro lado, el espectador, o como él lo llama, la "mente pública" necesitaba un objeto lo suficientemente rico como para reflejarse en él y lo más importante, profundizar en él.
En la sensibilidad quattrocentista, convergen, la necesidad expresiva del artista, la contemplativa del espectador (no meramente estética) y los postulados de algún modo impuestos por las instituciones, actitudes, fisonomías, colores, apariencias...
Destaca el autor, la danza como manifestación cultural directemente evocada en la pintura de la época, que contribuía a crear "modelos" de comportamiento social.
Junto a la danza, el concepto de medición, es otro condicionante en el modo de experiencia estética del momento.
Respecto a todos estos condicionantes, el espectador debía estar preparado para leer en la pintura, esta capacidad es entendida como experiencia colectiva y de ningún modo previa a la misma. " A partir de la participación en un sistema general de formas simbólicas que llamamos cultura es posible la participación en el sistema particular que llamamos arte."
III El poeta en el Islam, crea a partir de realidades culturales objetivas (roca, lluvia), en un contexto donde el instrumento de su arte, el lenguaje, tiene una significación elevada, en palabras del autor " comercia y no con total legitimidad, con la sustancia moral de su cultura". Analiza esta realidad cultural a partir de tres factores: el Corán,la poesía como algo vivo y su contexto, y la comunicación interpersonal en la sociedad. El lenguaje es en este caso para el autor un símbolo más que un medio, supeditado al ámbito sagrado."El poeta no crea su texto de la pura fantasía, sigue un número limitado de fórmulas establecidas." Pero no por esto se aleja de los hombres, el poeta vive entre dos mundos , entre la palabra de Dios y la lucha de los hombres, construye en palabras del autor una voz al margen de las voces que la rodean.

El concepto de arte enunciado por el autor es "la producción o combinación consciente de colores, formas , movimientos, sonidos u otros elementos de una manera tal que conmueva nuestro sentido de la belleza", en este punto el autor cuestiona la capacidad innata del individuo para percibir esa belleza, ya exista en un un acto cultural o en objetos específicamente artísticos. El artista para él , trabaja con las capacidades de su audiencia, su trabajo va unido a las capacidades de asimilación, impuestas por el contexto social. Si todo esto tuviera que estructurarse en una especie de análisis semiótico deberia ser estudiado desde una perspectiva eminentemente social. El arte no genera su propio sentido, el papel que ocupa dentro del sistema social es lo que le otorga validez. No es un enfrentamiento a la obra de arte lo que el autor sugiere, mas bien un enfrentamiento a los factores que hacen que dentro de la sociedad, el arte sea necesario e importante.

Jean Dubuffet, Corps de dame aux cheveux de côté, 1950

Considero que el arte se inserta lógicamente en un sistema social y cultural, como expresión humana, como lenguaje que es, y es cierto que el papel de mediador del artista es real, pero no considero que su actuación esté tan sujeta como el autor plantea, a las capacidades de asimilación por parte del espectador,el artista crea porque tiene la necesidad de expresarse, y en ese lenguaje siempre habrá aspectos tan esenciales como para ser transmisores de su mensaje, es cierto que en cada contexto y en cada cultura existen códigos diferentes, pero estos no limitan a la comunicación de la obra, más bien otorgan entendimientos diferentes.

DANTO, Arthur: El final del arte, en el Paseante, 1995. núm 22-23

El arte ha muerto, comienza exponiendo el autor, debemos preguntarnos como será el arte en el futuro si es que lo tiene, cuales serán sus carácterísticas y sus formas de aceptación.

Cualquier mirada hacia el futuro remite al presente que las origina, solo podemos imaginar desde lo que conocemos, de modo que ciertas cosas que acontecerán en el futuro, se escapan a nuestra imaginación."El futuro es una especie de espejo que solo muestra nuestro propio reflejo".

El autor se basa en las teorías de Hegel, para fundamentar la teoría de la muerte del arte, para el filósofo, el mundo había atravesado la "Edad del Arte", es decir, las energías de la historia y del arte habían coincidido durante un periodo de tiempo, pero ahora tomaban rumbos diferentes, la existencia del arte entonces no tenía sentido (histórico). Había "envejecido una forma de vida".

A través de un recorrido por la historia del arte desde la antigüedad clásica hasta la aparición del cine y por tanto de la imagen en movimiento, se desarrolla la teoría de que una vez que los sistemas de representación en el arte dejan de avanzar, agotando toda forma de progreso, el arte se agota al menos como disciplina de progreso disociada del momento histórico, es imposible entonces estudiar la historia del arte tal y como la concebimos en un sentido lineal. De su teoría se desprende la idea de que el artista depende de la exigencia de un espectador capaz de percibir aquello que reconoce como real, apelando al virtuosismo del creador, esa mimésis de la realidad carece de valor artístico si no se sustenta en hecho narrativo.
A principios del siglo XX las equivalencias perceptivas se subvierten, los pintores no representan, expresan y demandan del espectador un complejo acto de interpretación.Ya no se mide el progreso, y es imposible hablar de la expresión en términos evolutivos, de modo que se produce un cambio en los planteamientos y la historia del arte pasa a ser la historia de las vidas de los sucesivos artistas.
Pero incluso en este momento en el que prima la manifestación expresiva de sentimientos por parte de los artistas, el arte que realizan según el autor responde a imperativos históricos, el éxito consistía en lo innovador y su aceptación, se sucedían los movimientos de vanguardía haciéndose cada vez menos creíbles. Surge la gran pregunta ¿que es el arte? y este siente como única forma de estar, la búsqueda de su propia identidad, negando todas las concepciones por insuficientes.
Utilizando la teoría de la Fenomenología de Hegel, afirma que el arte para existir necesita cada vez más una teoría, que su fin último es el autoendentimiento, la autocomprensión. Su estado histórico culminaría con su propio reconocimiento (advenimiento del conocimiento absoluto de Hegel).
El arte de nuestro tiempo el objeto artístico está tan imbuido en la teoría que el objeto y el sujeto desaparecen y se convierte en una mera forma de entretenimiento.

Doris Salcedo, Sin titulo, 1998  -  Sibboleth, 2007, (detalle, instalación) Turbine Hall, Tate Modern, Londres.

La subordinación del artista a los imperativos sociales, históricos, técnicos que plantea el autor me parece en ocasiones excesiva. Siglo tras siglo el arte ha sido un instrumento necesario para el hombre, de algún modo u otro el error o el acierto han ido construyendo una historia del mismo. ¿por qué en un momento, que también reconozco como de crisis no ibamos a encontrar nuevas fórmulas y un nuevo lugar para el arte?

Orientaciones de la Educación Artística en la Historia IV

2010-11-26T05:04:00.000-08:00

MARÍN, R.y otros : Didáctica de la Educación Artística. Madrid.2003. Edit. Pearson / Prentice Hall.  Esquema - resumen.

1.- Historia de la Educación Artística. 

La evolución de la educación artística ha estado determinada por los cambios sociales, las transformaciones en el mundo del arte y la educación.

1ª m SXIX -> se implanta la enseñanza del dibujo en la escuela a la vez que se generalizan los sistemas educativos.

1.1.- Antigüedad. 

Primeras reflexiones acerca de la educación artística y su necesidad de implantación en la escuela -> Platón y Artistóteles " Política". -> "el dibujo da capacidad para observar la belleza de los cuerpos."

Dibujo = utilidad y belleza.

1.2.-Edad Media.

Las manifestaciones artísticas se consideran oficios manuales.

Búsqueda de la perfección técnica.

1.3.- Las academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo.

1º Escuela de Dibujo, Giorgio Vasari, Florencia 1563.
Dibujo = fundamento de todas las bellas artes.
Aprendizaje secuencializado: 1. copia de láminas, 2. copia de estátuas, 3. dibujo del natural.
Formación apoyada en estudios teóricos: anatomía, perspectiva, historia del arte y estética.
Sistema perdura hasta finales del XIX. Difusión por toda Europa y América gracias a la Academia de París.

1.4.- El dibujo en la escuela: siglo XIX.

El dibujo se convierte en materia obligatoria, el la escuela primaria y secundaria.
Necesidad de adaptar la enseñanza al conjunto de la población (no profesionales).
Contexto social-> Industrialización->dibujo necesario para trabajos cualificados.
Dibujo figurativo con una sólida fundamentación geométrica.
En la segunda mitad del s.XIX, proliferaron los métodos y manuales de dibujo, basados en la copia de láminas.

Pedagogos que marcaron el sistema educativo de la época:

            Johan Heinrich Pestalozzi  (1746 - 1872 )

"ABC de la intuición o intuición de las proporciones", 1803, primer manual de Educación Artística para la infancia.
Sistema basado en el trabajo conjunto de la palabra, el número y el dibujo.
Objetivos:

Comprensión de la forma.
Definición verbal de la misma.
Dibujo exacto a mano alzada.

Justificación del sistema-> construcción de los fundamentos para el aprendizaje del dibujo y refinamiento de la percepción visual.

            Friedrich Froebel (1782 - 1852 )

Alumno de Pestalozzi.
Creador de un original sistema didáctico conocido como " Regalos y ocupaciones".
Los regalos (10) eran piezas geométricas distintas, agrupadas según su forma o tamaño con las que los alumnos aprendian a identificarlas, compararlas y construir nuevas formas.
Las ocupaciones implicaban la transformación del material original.

1.5.- La primera mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil.

Cambio en la consideración de las teorías educativas de la infancia motivado por: las investigaciones en psicología evolutiva y los movimientos artísticos de vanguardia.
"Arte espontáneo infantil", expresión pura, primigenia, no contaminada.
Franz Cizec-> 1904 Escuela de Artes y oficios de Viena-> clases de dibujo libre y espontáneo para niños y jóvenes.
Dibujo y la pintura libre -> la actividad escolar debía estimular los modos propios y característicos de expresión de los niños.

1.6.- La segunda mitad del siglo XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.

La autoexpresión creativa de Herbert Read y Viktor Lowenfeld, introduce una gran novedad en el sistema educativo, lo esencial no es el contenido sino la persona que se está formando.
La educación artística no debe proponerse que todas las personas aprendan a hacer arte, sino, que a través del arte se aprenda a ser persona.
Educación artística = efecto del proceso sobre el individuo / bellas artes= productos resultantes.
Importancia del desarrollo personal, se fomenta la sensibilidad, la seguridad, la creatividad.
El dibujo libre es el ejercicio principal, se evitan los modelos, para preservar la propia sensibilidad.
La capacidad creativa es el objetivo (capacidad de descubrir y buscar respuestas).

La consolidación institucional, INSEA, International Society for Education through Art, París 1954, organización internacional más importante de educación artística. Los 3 argumentos principales de la carta magna que redactaron son los siguientes:

Los conocimientos y técnicas adquiridos a través de las artes plásticas sirven en los estudios y en el ejercicio de una profesión, para la utilización inteligente del tiempo libre y para la apreciación de la belleza en la naturaleza.
Las artes son indispensables para el desarrollo completo de la personalidad y para un conocimiento más profundo de la realidad.
Conviene fomentar la educación visual de los niños para orientar su inteligencia y preservar su sensibilidad.

            Rudolph Arnheim

"Ver es pensar", por tanto el lenguaje visual es un modo de conocimiento y la percepción un proceso cognitivo activo y completo.
Introduce el concepto pensamiento dentro del proceso creativo , reforzando la importancia de las actividades artísticas dentro del programa educativo.

Consideración de las artes visuales como lenguaje, motivado por el contexto socio cultural.
Arte - publicidad - medios - comunicación -> importancia social de su conocimiento.

            Donis A. Dondis

10 elementos básicos del lenguaje visual ( revisión de las capacidades visuales básicas ): punto, línea, contorno, dirección, tono, color,textura, proporción, dimensión y movimiento.
Adecuación curricular en las escuelas a los elementos anteriores.

Elliot Eisner

1980 DBAE, Discipline Based Art Education, proyecto educativo para la escuela primaria, promovido por el Centro Getty para la educación en arte, asociado al Museo Getty de Los Ángeles ( California).
Propone una sólida formación para el alumnado , estructurando los contenidos a través de cuatro disciplinas:

Estética, conceptos y teorías sobre la naturaleza del arte.
Crítica de arte, fundamentos para valorar y juzgar la creación artística.
Historia del arte, contextos en los que se crea la obra de arte.
Modalidades artísticas, dibujo, pintura, escultura, cerámica, arquitectura...

Objetivo -> desarrollar habilidades y conocimientos en el alumnado para comprender y apreciar el arte.(Importante la inclusión de manifestaciones artísticas de otras culturas).
Sistema de aprendizaje progresivo.
La autoexpresión creativa apostaba por el desarrollo personal del alumnado, la DBAE, apuesta por la formación cívica e intelectual.
Creatividad, es para la DBAE, la capacidad a través del conocimiento, de dar respuestas innovadoras.
Desventaja-> la vinculación de la DBAE a una instituciones sólidamente establecidas como museos, universidades.... ralentizaba la incorporación de temas más novedosos y controvertidos.

1.7.- Debates contemporáneos: todos los significados de todas las imágenes de todas las culturas.

La educación artística debe responder adecuadamente a los cambios de la cultura visual.

Paul Duncum, la nueva enseñanza debe cumplir dos condiciones:

Ser prioritariamente visual.
Que se constituyan creencias actitudes y valores, dentro del marco de la cultura.

La Cultura Visual escapa del marco del objeto artístico, no interesa el objeto en sí, sino su condición de mediador de valores culturales.

Los nuevos términos clave propuestos son los siguientes:

Representaciones o artefactos visuales (obras de arte)
Valores estéticos se vinculan más a determinadas culturas que al objeto portador.
La cultura adquiere un sentido socioantropológico.
Las representaciones y artefactos deben comprenderse sobre todo como elementos culturales que intervienen en la vida diaria.

Este enfoque ofrece dos ventajas para la Educación Artística:

Vinculación del arte con la sociedad. Acercamiento.
Imágenes de referencia, atractivas y cercanas al alumnado.

A.
¿Que grado de afinidad mantienes con los distintos puntos de vista desarrollados a lo largo de la historia de la educación artística?

- Antigüedad clásica, sentido místico de la necesidad de creación.
- Edad Media, sólida formación técnica.
- Renacimiento-Romanticismo, la formación no sólo artística sino humanística.
- S.XIX, la ordenación de la enseñanza desde criterios esenciales.
- SXX, la libertad respecto a los antiguos modelos establecidos. El nuevo enfoque de Read y Lowenfeld, fomentando el desarrollo personal del alumnado, aunque quizás infravalore la formación teórica.
- SXIX, inclusión de nuevos medios en el aula , y dinamismo en la enseñanza.

B.
Realiza una crítica constructiva del texto trabajado. Plantea Pros y contras de las distintas etapas.

. Antigüedad clásica.

Pros- Sentido místico de la necesidad de creación.
Contras- no valoración del arte como tal.

. Edad Media.

Pros- Profesionalización técnica, papel social del artesano organizado en estructuras gremiales, practicidad de la función educativa.
Contras- pérdida del sentido creativo, vinculación total con la religión.

. Renacimiento.

Pros- recuperación de las inquietudes intelectuales, formación desde una edad temprana, método científico de conocimiento.
Contras- sistematización de la enseñanza, no estimulación de la creatividad, sistema elitista de enseñanza.

. S.XIX.

Pros- separación del arte de la técnica, introducción del dibujo en la escuela, aparición de métodos pedagógicos que estimulan la capacidad creativa del alumnado, necesidad de formación del profesorado, desvinculación de la iglesia.
Contras- sistematización en la enseñanza del dibujo a través de copias y búsqueda obsesiva de la belleza, limitaciones de ciertos métodos de enseñanza, poca comprensión del entorno.

. S.XX.1ºm

Pros- respeto por el desarrollo artístico del niño, libertad en los sitemas educativos, pérdida de ciertos modelos rígidos de enseñanza, valoración de la aportación del alumno, el arte es entendido como medio para comprender el mundo, riqueza de los distintos enfoques.
Contras- el concepto de formación en el "buen gusto".

.S.XX.2ºm.

Pros- desarrollo personal del alumnado, importancia del proceso creativo, el arte es un concepto ahora más global, arte y vida van unidos, el dibujo es más libre, se potencia la creatividad, se fomenta la autonomía del alumnado, mayor cercanía del docente al alumno.
Contras- nuevos sistemas de enseñanza limitados a la formación de la primaria, cierta carencia formativa en cuanto a técnica y contenido, desorientación profesional, no educación en el pensamiento científico.

C.La educación de cara al presente.

La educación del presente debe estar orientada a modelos dinámicos que utilicen como recursos todos los medios que la cultura visual nos ofrece. Fomentaría un modelo relacionado con la autoexpresividad creativa pero en equilibrio con una sólida formación teórica. Enseñar a aprender, proporcionar herramientas al alumnado, creo es el sistema adecuado en una sociedad en la que el acceso a la información es inmediato.

John Baldessari - I Am Making Art , 1971 @ MoMA

2010-11-23T04:20:00.000-08:00

sobre el concepto de artista

The Toro's Revenge _ María Cañas

2010-11-22T13:27:00.000-08:00

Sobre el apropiacionismo.

Art Brut - Schizophrenic artists

2010-11-17T11:48:00.000-08:00

Un vídeo con imágenes de artistas pertenecientes a la corriente del Art Brut, espero que
os resulte interesante.

I.- REFLEXIÓN EN TORNO AL CONCEPTO ARTE Y MANIFESTACIÓN ESTÉTICA.

2010-11-16T10:36:00.000-08:00

OBRA DE ARTE

Es el resultado de una acción material o inmaterial, en cualquiera de sus manifestaciones que lleva ímplicita necesariamente una intención. Debe siempre producir una conmoción, entendida ésta tanto en el sentido más evocador y poético como en el sentido más reflexivo. El arte es una manifestación expresiva, con un lenguaje propio.

Mark Rothko.----------------Esther Ferrer,

"Autorretrato en el tiempo"

ARTISTA

Persona que libremente realiza la acción creadora. Arte y vida van unidos en su proceso.

MANIFESTACIÓN ESTÉTICA

La manifestación estética existe como tal, no implica la acción creadora del hombre.

Sobre las aves del paraíso:

http://www.youtube.com/watch?v=e4NNKPdERBQ

i. ¿ Existe una esencia en la obra artística, o todo en ella es abierto y relativo?

2010-11-16T10:28:00.001-08:00

"La Gioconda" 1503- 1507. Leonardo Da Vinci. - "L.H.O.O.Q" 1917 Marcel Duchamp.

Sería pretencioso decir que hay una cualidad común a toda obra de arte donde reside la esencia misma de ésta. Personalmente creo que la clave podría estar en su capacidad de comunicación, su desnudez y su verdad.

h.¿La originalidad es condición de la obra de arte?

2010-11-16T10:25:00.001-08:00

"Psycho" 1998 Gus Van Sant.

La originalidad, sí debe ser condición en la obra de arte, como en cualquier creación, debe al menos aportar algo nuevo, hacer una lectura nueva del original tomado. El caso de la película que se propone, Psycho de Gus Van Sant, sirve de ejemplo,de todo lo contrario. El director estadounidense, utiliza un clásico del cine de terror, y 28 años después realiza un remake en el que no aporta ningún tipo de elemento nuevo ni a nivel formal ,ni a nivel conceptual, se queda en la superficie, no aporta, ni mejora al original.

En los años 60 surge el movimiento apropiacionista motivado por el creciente papel de los medios informativos en la sociedad , las nuevas tecnologías y el exceso de imagen, aunque se manifestó en otros medios, tuvo especial relevancia su aplicación al video , cada vez más utilizado por los artistas:

"La obra basada en el reciclaje y la apropiación plantea una serie de interesantes cuestiones. Este tipo de obras prescinden de la filmación convencional y del rodaje; se trata de un tipo de realización de bajo coste. Los artistas del reciclaje audiovisual son conscientes de la inmensa cantidad de imágenes que pueblan el entorno del hombre moderno; existen una gran cantidad de obras filmadas que pueden ser reutilizadas con otros fines. Precisamente en este último punto se encuentra la idea principal del film de reciclaje; la manipulación y reordenación a la que el artista somete la imagen propicia una nueva visión; esta nueva mirada oscila normalmente entre la crítica visceral o el simple ludismo. En cualquier caso la imagen primigenia propiciará sin quererlo una nueva lectura de ella misma."

RAFAEL PINILLA

El apropiacionismo es el uso consciente, de elementos que pertenecen a otras obras artísticas o simplemente iconos o símbolos de una cultura, ya sean pasados o no para desarrollar bajo una mirada personal una obra propia. El concepto de original se centra en la revisión o reinvención del discurso utilizando una imagen ya creada.

Jose Manuel Ballester

g. ¿Hasta qué punto es necesaria la formación para ser artista?

2010-11-16T10:22:00.000-08:00

La formación artística, entendida en el ámbito de lo académico, proporciona herramientas que facilitan en cierto modo la elaboración de tu discurso artístico, si conoces sientes que eres de algún modo más libre, más capaz, que cuentas con más recursos, no sólo técnicos, tambien a nivel conceptual. Conoces la obra de profesores, de artistas de referencia y de otros compañeros, contínuamente estás aprendiendo, y lo harás durante toda la vida, siempre. Sin embargo, esta formación puede en muchos casos acotar el espacio creativo, o sistematizarlo por falta de conocimientos y de apertura de miras, o bien por no saber diferenciar cuáles son las necesidades de cada alumno.
No todas las personas que reciben formación artística son artistas, y viceversa. El impulso creador es algo esencial a la persona, es como una fuerza incontrolable que busca adoptar formas o simplemente ideas. El caso de esta artista se enmarca dentro de la corriente del art brut, o de los artistas marginales que el artista Dubuffet, siguió durante toda su vida, o del arte de las civilizaciones primitivas que tanto interesó a los surrealistas y posteriormente a la corriente americana del informalismo abstracto, por ser un arte esencial, vehemente, puro.
En conclusión, no es del todo necesaria una formación a nivel artístico, si una formación a nivel vital,(experiencia) en cualquiera de sus formas. Tener algo que decir , y decirlo.

f. ¿Hasta que punto es necesaria la técnica para realizar arte?

2010-11-15T11:51:00.000-08:00

"Los burgueses de Calais" 1886-1888, Auguste Rodin

En mi opinión no es necesaria la técnica para realizar arte, la idea, la intención, y la adecuación del medio a la propuesta es lo que dota de interés a la obra es lo que la eleva a tal categoría. Depende en cierto modo del proceso creativo del artista, Orlan considera obra su idea, otros actúan, Rodin en cambio controla el proceso hasta su consecución en obra. Son dos formas de entender un mismo impulso, el creador.

e.¿Debemos plantear límites éticos en la creación artística?

2010-11-15T11:14:00.000-08:00

"Body Worlds" 1996 Gunther von Hagens.

"Shoot" 1971 Chris Burden

Los límites éticos, en la manifestación artística como en cualquier otra, debe marcarlos el propio creador. Si bien en ciertos casos creo que se hace necesaria una llamada de atención, para asegurar el respeto al otro. A día de hoy, estos dos casos que se proponen, me despiertan otro tipo de preguntas más relacionadas con el concepto de creación artística ( en especial la obra del Dr. Von Hagens) que con el concepto de transgresión, los medios nos han educado en la inocuidad del horror.

d.¿Podemos considerar esto objeto artístico? ¿Y objeto estético?

2010-11-15T10:43:00.000-08:00

aFotografía del "Cerro de los Siete Colores". Anónima. Purmamarca. Argentina

Es un objeto artístico en cuanto al medio de expresión utilizado, una fotografía. En cuanto al contenido, la naturaleza, no es objeto, y no es artística porque su existencia carece de una intencionalidad en este sentido, no es una construcción.
Es una imagen que posee una gran carga estética, pues observamos en ella valores compositivos, de color, de ritmo, de texturas, que la dotan de un sentido pictórico que la hacen atractiva; su elección como fotografía está enmarcandola dentro de la acción del hombre, es un encuentro.

c. ¿En qué grado está relacionado el arte con la belleza?

2010-10-28T04:55:00.001-07:00

Fotografía del "Cerro de los Siete Colores". Anónima. Purmamarca. Argentina

Arte y belleza han estado  relacionados al lo largo de la historia del arte,  desde la antigüedad clásica, la búsqueda de lo bello, de lo sublime, del virtuosismo, del goce puramente estético. Este condicionamiento, cambiará con la llegada de las vanguardias artísticas, el arte se relaciona más con la idea que con la belleza, vive por y para sí mismo, y es más un espacio para la expresión libre y la experimentación, que un mero producto más o menos estético.
Por otro lado, el concepto de belleza es muy subjetivo, existen tantas formas de belleza como ojos miran, dónde y cuándo, lo hacen. No existe un único concepto de arte, ni un único concepto de belleza, el contexto sociocultural será determinante, para de algún modo determinar un modelo de experiencia.

b.¿Debemos impedir este tipo de acciones? (Demolición de estatuas de Buda de Bamiyan - Regimen Talibán 2001)

2010-10-28T04:34:00.000-07:00

Este tipo de acciones, son sólo el resultado de una historia viva, la del hombre, que acertadamente o no actúa. El modo de impedirlo, me parece una tarea imposible y siempre subjetiva.

Arte y Educación I.

2010-10-28T04:05:00.000-07:00

1.DEFINICIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA.

a. ¿Existe goce estético en estas imágenes? ( relativas a los atentados del 11 SNY)

La búsqueda de ese supuesto goce estético, que si encuentro, está determinada, por la pregunta, no hay en ellas una intención estética, son el testimonio visual de una innegable tragedia, pero es el ejercicio de disociación lo que se plantea, y esto cambia el modo de contemplarlas.