Breve reflexión acerca de los inconvenientes de una educación artística basada en la cultura visual.
La educación artística basada en la cultura visual, es una educación más significativa, mas cercana al alumno que se desenvuelve en un contexto en el que la fuerza de la imagen y su constante presencia es innegable. Puede facilitarle la comprensión de ciertos contenidos, pero la imagen, y ahí veo las posibles carencias de este método, debe comprenderse de manera crítica, debe identificarse su intencionalidad y su existencia dentro de un contexto.
Acerca de “Pensando en los demás” un documental sobre el profesor Toshiro Kanamori.
El profesor Toshiro Kanamori, enseña a sus alumnos de 10 años una auténtica lección de vida , el pensar en los demás, el mostrar una actitud empática es un medio para no sentirte sólo, para hacerte fuerte y hacer fuertes a los demás, la comunicación te ayuda a crecer a tí y a los que te rodean."Deja que la gente viva en tu corazón", les dice, cuando ellos te escuchan de verdad, viven en tí para siempre.Esto te ayudará a ser feliz, el único y más importante objetivo de tu vida.
La auténtica educación no olvida la importancia que tiene la educación emocional (libre)de los niños, es tan importante o más que la educación en contenidos, proporciona herramientas útiles al niño en su crecimiento hacia la madurez les ayuda a ser capaces de vivir.
Inculca a sus alumnos la alegría que supone disfrutar de la vida, el maravilloso regalo que poseen ,la libertad de expresarse tal y como son, desde el respeto a los demás.
Utiliza como medio un "cuaderno de cartas", en el que sus alumnos escriben aquello que quieren contar a los demás,desde la escritura encuentran el medio para sincerarse y hablar de ellos mismos, todos escuchan con admirable respeto y empatía, aprenden a verse en el otro y a reflexionar sobre ellos mismos. Entre ellos se han creado lazos muy fuertes, pero lo más fascinante es la relación que mantienen con el profesor, el respeto y la admiración que le manifiestan, pero tambien el cariño y la cercanía. Es fascinante. Es Oriente.
Inculca a sus alumnos la alegría que supone disfrutar de la vida, el maravilloso regalo que poseen ,la libertad de expresarse tal y como son, desde el respeto a los demás.
Utiliza como medio un "cuaderno de cartas", en el que sus alumnos escriben aquello que quieren contar a los demás,desde la escritura encuentran el medio para sincerarse y hablar de ellos mismos, todos escuchan con admirable respeto y empatía, aprenden a verse en el otro y a reflexionar sobre ellos mismos. Entre ellos se han creado lazos muy fuertes, pero lo más fascinante es la relación que mantienen con el profesor, el respeto y la admiración que le manifiestan, pero tambien el cariño y la cercanía. Es fascinante. Es Oriente.
El arte se repliega en sí mismo - Peter Sloterdijk
"El arte, ya se decía hace una década, abandona la galería, se va al campo, va a la gente. Se debería haber dicho: busca lo libre y desea otro espacio de juego para la felicidad de interrumpir la infelicidad."
El arte se ha convertido desde hace mucho en negocio, en mercado, impulsado por unos y otros, bajo el manto del enriquecimiento ( ni espiritual , ni intelectual ) que ofrece la cultura, publicitado como objeto de deseo al alcance de unos pocos, dependiente en su existencia de este único camino.
En el necesario epicentro de todo este escenario , el artista y su obra, Sloterdijk analiza el significado verdadero y último de los términos La maestría sin genio es una gran habilidad, el genio sin dominio del oficio es intensidad renovadora. Si ambos coinciden , pueden resultar vidas humanas hacia las que se oriente la exaltación humanística de la especie....allí donde en las obras surjan mundos junto al mundo los creadores se pueden tener por dioses al lado de Dios.
La obra de arte moderna es concebida de este modo en virtud de su motivación hedonista, el hombre supera el poder de la propia naturaleza a través de su obra, se supera a sí mismo y a sus iguales. Exponer la obra supone hacer visible a ojos de unos pocos la revelación creadora, es el medio y la puerta de entrada en el sistema de mercado.
La visión del autor acerca de lo exponible, es bastante radical, considera que a fines del XX se produce una sinergia provocada por la maravilla moderna de la producción entre lo producido, lo que lo motiva, antecede, acompaña y el desecho de este acto y todo a uno es objeto de exposición. Critica como la estructura social aspira a formar parte del museo, pero a mi parecer forma parte de él, lo contrario sería vivir al margen de la sociedad en la que el arte como forma de expresión se desenvuelve, el verdadero artista está dentro del sistema, sí, pero puede optar de algun modo a residir en lugar privilegiado, no de cara al mercado, sino a él a su propia vida y a sus motivaciones.Me parece interesante la reflexión que propone el autor, pero excesivamente taxativa.No se está hablando en último término del poder creador, ni del artista, ni del medio ,ni de quién lo contempla, se habla de un antiguo conocido, el dinero.
El sistema actual de ferias y exposiciones de arte, para el autor no es más que la excusa para dar cabida y de algún modo revalorizar la obra dentro del contexto actual de la más pura arbitrariedad. Así la exposición es casi más obra que la obra expuesta,es el trozo de queso en la ratonera.
La obra desea ser expuesta esto le asegura un lugar, la obra manifiesta ese ansia de inmortalidad, en su designación como tal se abrirá ese lugar dentro del mercado, donde hay una galería , hacia ella fluye el arte de la galería.Está condicionando desde el principo. Esta relación debería subvertirse.Hoy nada o casi nada es para siempre.
El sentido último y maravilloso del arte obedece a la llamada de las fuerzas humanas a la felicidad, la felicidad hábil, con cuya ayuda ser capaz de vivir supera a tener que vivir.Su sentido está aquí y ahora.El arte que ha madurado que se conoce a sí mismo abandona el sistema establecido, pero es invisible?? ¿a dónde va? Este posicionamiento lo lleva a alejarse del mundo, pero es el camino hacia la felicidad, ya se echaba de menos alguna aportación constructiva, que aunque romántica y utópica, es el verdadero sentido de la necesidad creativa. ¿ y cómo salir, como habitar en el silencio, como entender este lugar? ......."cuando estoy al aire libre? cuando estoy tan afuera que el mundo se muestra."
La obra de arte moderna es concebida de este modo en virtud de su motivación hedonista, el hombre supera el poder de la propia naturaleza a través de su obra, se supera a sí mismo y a sus iguales. Exponer la obra supone hacer visible a ojos de unos pocos la revelación creadora, es el medio y la puerta de entrada en el sistema de mercado.
La visión del autor acerca de lo exponible, es bastante radical, considera que a fines del XX se produce una sinergia provocada por la maravilla moderna de la producción entre lo producido, lo que lo motiva, antecede, acompaña y el desecho de este acto y todo a uno es objeto de exposición. Critica como la estructura social aspira a formar parte del museo, pero a mi parecer forma parte de él, lo contrario sería vivir al margen de la sociedad en la que el arte como forma de expresión se desenvuelve, el verdadero artista está dentro del sistema, sí, pero puede optar de algun modo a residir en lugar privilegiado, no de cara al mercado, sino a él a su propia vida y a sus motivaciones.Me parece interesante la reflexión que propone el autor, pero excesivamente taxativa.No se está hablando en último término del poder creador, ni del artista, ni del medio ,ni de quién lo contempla, se habla de un antiguo conocido, el dinero.
El sistema actual de ferias y exposiciones de arte, para el autor no es más que la excusa para dar cabida y de algún modo revalorizar la obra dentro del contexto actual de la más pura arbitrariedad. Así la exposición es casi más obra que la obra expuesta,es el trozo de queso en la ratonera.
La obra desea ser expuesta esto le asegura un lugar, la obra manifiesta ese ansia de inmortalidad, en su designación como tal se abrirá ese lugar dentro del mercado, donde hay una galería , hacia ella fluye el arte de la galería.Está condicionando desde el principo. Esta relación debería subvertirse.Hoy nada o casi nada es para siempre.
El sentido último y maravilloso del arte obedece a la llamada de las fuerzas humanas a la felicidad, la felicidad hábil, con cuya ayuda ser capaz de vivir supera a tener que vivir.Su sentido está aquí y ahora.El arte que ha madurado que se conoce a sí mismo abandona el sistema establecido, pero es invisible?? ¿a dónde va? Este posicionamiento lo lleva a alejarse del mundo, pero es el camino hacia la felicidad, ya se echaba de menos alguna aportación constructiva, que aunque romántica y utópica, es el verdadero sentido de la necesidad creativa. ¿ y cómo salir, como habitar en el silencio, como entender este lugar? ......."cuando estoy al aire libre? cuando estoy tan afuera que el mundo se muestra."
Acerca de Los espigadores y la espigadora, un documental de Agnès Varda
El documental de Agnès Varda tiene por marco la sociedad de consumo. En su viaje por la Francia –mayormente rural- de finales del siglo pasado, Varda se encuentra con espigadores y espigadoras que buscan entre la basura y recogen los restos que nuestra sociedad desecha, pero ya no estamos ante los míticos espigadores que pintó Millet, sino ante unos modernos recolectores que, desde el campo a la ciudad, recogen patatas, manzanas y otros alimentos, al igual que artistas que recolectan objetos encontrados por azar en las calles para crear o sólo por la belleza ética del gesto: recolectar simplemente.
Pero el documental de Varda va más allá del marco político y social que nos presenta y entra, de manera lúcida y profunda, en el tan arado terreno del lenguaje documental: un género que, en manos de Varda, queda intrínseca y orgánicamente construido en torno a la recolecta en sí. El azar se convierte en un factor de producción/construcción inalienable y en el elemento estético central. Más que de cine de observación directa o de cinéma-vérité, se trata aquí de un tipo de cine reflexivo renovado por las nuevas tecnologías de las que hace uso: una pequeña cámara de video digital que nos muestra desde dentro el proceso de renovación digital del cine y que se convierte en la herramienta privilegiada de la recolecta y de la espigadora que es ella misma. La cámara pues no le sirve simplemente como una herramienta invisible para recolectar imágenes, sino que se convierte en el punto de anclaje de una reflexión en torno a lo documental que no sólo establece una nueva relación con el cine sino también una nueva relación de la creadora consigo misma. Al alejarse de los pesados medios del cine institucional y optar por una cámara más pequeña y manejable, la cineasta consigue establecer una relación mucho más orgánica con cada una de las etapas de la creación. El todo necesita y hace posible además un acercamiento en el que el azar y la improvisación se convierten en el material que permite una escritura directa y personal. En efecto, el encuadre pasa del paisaje al detalle e impone una nueva relación con el propio cuerpo y con la propia identidad, ese cuerpo que envejece y que la directora recorre y estudia con su pequeña cámara.
En suma, Varda, estudiando la historia y la contemporaneidad de la recolecta, nos presenta a la vez un estudio sociológico y una lección sobre el cine y su esencia cambiante en el universo posmoderno del consumo y del individualismo.
resumen visual de la posmodernidad
"Un rizoma no comienza y no termina, siempre está en el medio, entre las cosas, es un ser-entre, un intermezzo. El árbol es filiación, pero el rizoma es alianza, únicamente alianza. El árbol impone el verbo “ser”, pero el rizoma tiene por tejido la conjunción “y … y …y…”. En esta conjunción hay fuerza suficiente para des-enraizar el verbo ser (….). Entre las cosas, no dessigna una relación localizable y que va de uno a otro, y recíprocamente, sino una dirección perpendicular, un movimiento transversal que lleva uno al otro, arroyo sin comienzo ni fin, que corroe sus orillas y toma velocidad entre las dos”. Gilles Deleuze
Comentario a la obra de tres compañeros
-Rafa Jiménez
El video de Rafa es el más original a la hora de afrontar la propuesta, imágenes de edificios que se derrumban y que como el ave fénix intentan resurgir de las cenizas, toda una metáfora de la caída de los grandes ideales en la posmodernidad. Deconstrucción, un tema actual dentro de la creación artística.La música que acompaña la secuencia y el tratamiento de la imagenes me parecen muy acertados.
-Pablo Sánchez
La propuesta de Pablo, me parece ante todo humana, ríos de solos que caminan enloquecidos entre la multitud, la violencia, el sexo, la comida basura, los mass media, las nuevas formas de relación, la injusticia, la tecnología...reflejos exactos de la sociedad que habitamos. Y entre tanto imágenes que aparecen como promesas de felicidad. La vuelta a lo esencial.
- Rubén Baena
El trabajo de Rubén me parece ingenioso en la elección de las imágenes, que en su caso creo acertadamente conservan el sonido original. Y el sentido del humor a la hora de enfrentarse al ejercicio, la canción de coca- cola que nos cantorturó a todos en la infancia, un gato tocando el teclado y el inconmensurable Arrabal y su mineralismo. Y ese final? volvemos a empezar?
Comentario a la obra de tres compañeros
-Rafa Jiménez
El video de Rafa es el más original a la hora de afrontar la propuesta, imágenes de edificios que se derrumban y que como el ave fénix intentan resurgir de las cenizas, toda una metáfora de la caída de los grandes ideales en la posmodernidad. Deconstrucción, un tema actual dentro de la creación artística.La música que acompaña la secuencia y el tratamiento de la imagenes me parecen muy acertados.
-Pablo Sánchez
La propuesta de Pablo, me parece ante todo humana, ríos de solos que caminan enloquecidos entre la multitud, la violencia, el sexo, la comida basura, los mass media, las nuevas formas de relación, la injusticia, la tecnología...reflejos exactos de la sociedad que habitamos. Y entre tanto imágenes que aparecen como promesas de felicidad. La vuelta a lo esencial.
- Rubén Baena
El trabajo de Rubén me parece ingenioso en la elección de las imágenes, que en su caso creo acertadamente conservan el sonido original. Y el sentido del humor a la hora de enfrentarse al ejercicio, la canción de coca- cola que nos cantorturó a todos en la infancia, un gato tocando el teclado y el inconmensurable Arrabal y su mineralismo. Y ese final? volvemos a empezar?
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